Аля Хестанти – художник, куратор, менеджер проектов в области культуры, искусства и образования. Автор образовательного курса “Особенности взаимодействия с институциями современного искусства” для Школы “Свободные мастерские” ММОМА. В настоящее время занимается созданием проекта карьерного центра для одной из художественных школ Москвы. Мы поговорили с Алей о том, как она видит положение профессии художника в современной России и чему планируется обучать студентов на курсе карьерного консультирования.
Расскажи, пожалуйста, что сейчас происходит в России в области художественной деятельности как профессии?
Я исхожу из того, что художник – это профессия, даже если она в настоящее время не очень хорошо прописана и представлена в профессиональных стандартах. Сейчас делаются попытки вернуть деятельность художника как профессию, как это было в СССР. В девяностые положение художников несколько маргинализировалось, они стали заниматься творчеством больше для себя. Работодатели перестали платить за художественную деятельность. Когда я заканчивала учебное заведение по специальности в области мультипликации, мне сразу сказали, что такой профессии – художник-прорисовщик – в стране нет. Многое в поле искусства за последние десятилетия перешло в раздел «это же о высоком» – о музах, а не о деньгах. Людей приучали к тому, что это дорогостоящее хобби.
Художникам в России сейчас не платят за то, что они участвуют в выставках. Но постепенно ситуация меняется. Художники все больше задают вопросы – почему эта деятельность не оплачивается? Время, навыки, дорогие материалы. Сейчас искусство востребовано, культурный досуг помогает чувствовать себя лучше, снижает стресс и уровень агрессии в обществе.
И с разных сторон сейчас идут подвижки – и государственные институции, и другие организации имеют запрос на то, чтобы делать качественный досуг, мероприятия для локальных сообществ – получается, нужны профессиональные специалисты. Постепенно возвращаются в жизнь профессиональные стандарты, которые регламентируют нашу работу, определяют ее качество, состав, направления. А наличие профессионального стандарта влияет на качество работы. Я оптимистично смотрю на процесс возвращения художественных специальностей в поле профессиональных стандартов, постепенный выход художников в реальное поле, на рынок.
А как ты пришла именно к идее создания карьерного центра?
Просто появился спрос. Поступают запросы от руководителей институций, связанных с художниками, на организацию карьерных центров – на курсы, лекции и мероприятия, которые знакомят художников различного возраста с организацией профессиональных процессов. Не с творческой составляющей, ей и так хорошо учат в художественных вузах, а именно с темой продвижения, построения карьеры. У нас этому не учат в вузах, люди вынуждены получать опыт сами, набивая шишки, совершая ошибки. При этом путь продвижения художника известен, точнее, их много, они разные, но они известны. Я считаю, что деятельность художника надо рассматривать именно как профессию, а не как хобби или «призвание». Разве врач — это не призвание? Но и профессия при этом. Существуют стандарты: что ты делаешь, как ты это делаешь, за что получаешь зарплату.
Художники востребованы сейчас в России, есть много самоорганизаций. Но при этом существует не так много курсов и обучающих программ по становлению в профессии художника.
Еще есть такой стереотип, что художник не должен думать о деньгах. Проекты, деньги – это фу, некрасиво и стыдно говорить об этом. Ты должен творить великое, какие деньги?! А с другой стороны, есть история мирового искусства – самые известные художники творили по заказу, получали деньги. Да, бывало, они работали «в стол», но работали также и за деньги. И производство художественных объектов всегда очень дорогое, без денег это сложно. Поэтому художник, чтобы творить, должен уметь строить карьеру, зарабатывать деньги.
Под художниками ты кого имеешь в виду? Есть традиционное понимание – художник – тот, кто пишет картины. Есть современные художники, далекие от этого стереотипа, которые создают инсталляции, саунд арт, видео арт, мультимедиа.
Я в этом вопросе человек широких взглядов, и имею в виду под художниками и традиционных, и тех, кто занимается современным искусством. При этом их пути продвижения будут не так уж сильно различаться. Но если к этому подходить профессионально и серьезно, то можно совмещать разные направления искусства. Хорошее художественное академическое образование – лучшая база, которая может быть у художника, но я не считаю, что если нет академического образования, то ты не художник. Столько есть направлений в сегодняшнем искусстве, по которым даже нет официального образования. При этом, нельзя отрицать, что умения и навыки академического образования помогают. Даже гениальную идею можно испортить плохим исполнением. Все же художник производит продукт, хоть художники и не любят это слово.
Для какого возраста твой курс?
Это старшие классы школы, дети, которые собираются учиться дальше и быть художниками. Моя цель – чтобы они знали, как встраиваться в эту систему, а не оставались после выхода из учебного заведения наедине с неизвестным огромным миром.
Как ты структурируешь свой курс по карьерному консультированию и продвижению художников?
На самом деле это давняя история – я уже делала на основе своего опыта и опыта арт-сообщества курс по самопродвижению и взаимодействию с институциями для студентов «Свободных Мастерских» Московского музея современного искусства. Все это масштабируется на разные возрасты и направления искусства. Рассказываем, как устроен этот рынок в России и мире, какие в нем существуют организации, институции, как с ними общаться- и взаимодействовать. Механизмы самопродвижения одни и те же: например, каждому художнику нужно уметь создавать портфолио, писать резюме, artist’s statement (творческое кредо, описание позиции художника). Карьерное становление – это постоянная работа, и чем раньше придет это понимание юному художнику, тем лучше.
Какие еще знания собираешься давать на курсе?
Детям нужно рассказывать и вкладывать им в голову, что художник – это работа. Что надо уметь оформлять документы, связанные с работой, например, договор с галереей. До сих пор многое в художественной среде строится на устных договоренностях. А столько есть случаев – обещали заплатить одно, заплатили другое, или вообще не заплатили. Или отдали работу на выставку без документов о передаче, а ее испортили. Или, наоборот, художник передал работу с дефектом, а это не было зафиксировано, и он теперь обвиняет галерею. А транспортировка? Казалось бы, элементарная вещь, но сколько историй, когда портили работы во время транспортировки. Экспонирование на выставке – все это надо обсуждать и фиксировать документально. Например, что на работу должно быть направлено столько-то света, что она должна быть так-то зафиксирована.
Также надо знать свое поле деятельности, свой рынок, знать институции, которые в этом поле находятся. Надо запомнить, как они называются, кто их возглавляет, какие у них направления деятельности. Рассказываем, например, что есть музей имени Пушкина художественный, а есть музей имени Пушкина литературный, что МАММ и ММОМА это разные музеи.
В целом – надо научить детей, что самое главное – уважать себя, уважать и знать свое окружение, и постепенно они начнут понимать, куда и как им двигаться.
