Алексей Ланцев – российский живописец, художник, предпочитающий в своей практике экспериментировать над пейзажами. Мы поговорили с Алексеем о процессе его работы и о том, как ему удаётся сохранять верность одному жанру.
Было ли что-то, что могло бы претендовать на место пейзажа в вашем творчестве?
Другие жанры – абстрактная живопись, обнаженная модель, натюрморт – время от времени увлекают меня, и тогда появляется новая серия работ, холсты или живопись на бумаге, – но пейзаж пока остаётся в приоритете. В нём присутствует широкий диапазон решений, чувств и воздуха, но есть и математика – структура.
Ваши живописные работы это «недоабстракции» или «постабстракции»?
Термин ” постабстракция” звучит интересно и загадочно. Знаю, что была “постживописная” абстракция: Барнетт Ньюман, Морис Льюис, Элсуорт Келли и другие отличные художники XX века, – мне они все очень нравятся!
А вот “недоабстракцию” делают, как мне кажется, ” недопрофессионалы” (улыбается)
В моей работе присутствует абстрактное мышление, но это классический инструмент. Прекрасным абстрактным мышлением обладали мастера живописи разных эпох, стран и культур, от Андрея Рублёва до Тинторетто и Венецианова, а также многие художники советской школы – Георгий Нисский, Александр Дейнека, можно продолжать и продолжать. Наши советские так называемые “формалисты” именно потому так и называются, что они в первую очередь работали над формой и видели форму, а не предмет. Думаю, в этом и есть ответ на ваш вопрос.
Ваши пейзажи имеют большой успех у зрителя. Но в то же время в ваших работах мы находим мастерскую живопись, отточенное чувство тона, свой язык. То, что обычно видится развилкой: успех – налево, «настоящая» живопись – направо, у вас – просто дорога с односторонним движением. Вы цените это? Вам случайно повезло, что это все сложилось воедино? Или это неслучайное, а задуманное везение?
Вы как люди с культурным опытом видите, что я профессиональный художник. В новейших течениях искусства тема профессионализма часто уходит на второй план, уступая место «концепции», однако для меня она продолжает оставаться очень важной. Возможно, это субъективный взгляд “ботаника” от искусства, но я такой не один – многие любят ремесло и физическую работу с материалом.
Концепция есть в каждой серии, она – фундамент в творчестве, но не железобетонный забор. Первоначальная идея может меняться, трансформироваться в процессе работы – появляются новые идеи, начинается импровизация, как в музыке.
Импровизация помогает испытывать яркие эмоции, которые затем передаются зрителю, что очень важно. Творческий процесс совершенно не гладок, случаются промахи и неудачи, иногда приходится полностью переписывать холст – и он обретает новый вид. Но все это намного интереснее, чем следовать каким-то трендам и контролировать каждый свой шаг. Я люблю свои ошибки в творчестве.
Когда работаешь над пейзажем, важно найти интересные пропорции, цветовое решение, соотношение пятен, передать движение. Все это термины из абстрактной живописи, – как видите, я ни разу не упомянул про облака, дома и деревья, они сами должны возникнуть на холсте.
Возвращаясь к вашему вопросу, в итоге скажу: да, я очень ценю, что именно так могу вести работу. Нет, это не задуманное везение. Мои поиски искренние, зритель это чувствует и принимает моё творчество довольно тепло, за что я сердечно ему благодарен.
